Le terme squame dans son sens médical, désigne une lamelle qui se détache de l'épiderme dans certaines maladies de la peau. En effet, ces surfaces éveillent chez le visiteur, un émerveillement, mais aussi un questionnement et un malaise par rapport à la technologie médicale et ses possibilités industrielles. L'artiste dit :�Avec cette installation, j'aimerais montrer, en autre, que le corps est multiple, non réductible à un organe, une cellule : unique comme une empreinte, dans sa diversité se trouve sa richesse.'

Rino Côté est originaire de Rivière-du-Loup, mais il vit et travaille à Montréal. Depuis ses études à l'UQAM en arts plastiques, il présente en exposition solo dans plusieurs galeries et centres d'artistes au Québec. Formé en moulage et en sculpture, il est présentement accessoiriste pour le Cirque du Soleil.

Présenté en même temps, dans la Salle Sans Sous:

 Catherine Plaisance

Les suicidés

Les suicidés est une série de huit photographies numériques de grand format. Par le truchement de la manipulation digitale d'images photographiques, une foule de gens s'élève vers le ciel et se dirige vers un but indéterminé. �Jouant sur la limite trouble des perceptions, Les suicidés se présentent comme une allusion à un saut dans le vide, une déchéance visible d'êtres désincarnés' explique l'artiste, Catherine Plaisance. �Dans et par un monde de remous, je suis inspirée par les méthodes qu'a trouvé l'homme pour construire sa réalité et son fonctionnement social.'

Catherine Plaisance est diplômée du baccalauréat en arts plastiques de l'Université Laval et à suivi des études à l'École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris. Depuis 2001, elle participe aux interventions et performances du collectif Les Fermières Obsédées . Les suicidés est sa première exposition solo en galerie.

Squame is an installation that mimics a biology lab. Two large skin surfaces produced through cell cultures lay on the gallery floor. One of the surfaces is an enlarged piece of skin as seen through a microscope and the other is a series of reproduced ears. Visitors are invited to closely observe and even feel the warmth of these surfaces, experiencing close contact with biologically manipulated organisms.

The French word squame , in its medical sense, designates a thin slice detached from the epidermis from certain skin diseases. In effect, the large surfaces displayed on the floor trigger a reaction of wonder, but also of questioning and discomfort as regards to medical technology and its industrial possibilities. The artist says: �With this installation I would like to show, in part, that the human body is multiple, cannot be reduced to a single organ or cell: is as unique as a fingerprint, in its diversity lies its richness'.

Rino Côté is originally from Rivière-du-Loup, but now lives and works in Montréal. Since finishing his studies in fine arts at the Université du Québec in Montréal, he has presented solo shows in many galleries and artists-run centres in Québec. Trained in molding techniques and sculpture, he is currently employed in the props department for the Cirque du Soleil.

Presented at the same time, in the Salle Sans Sous:

Catherine Plaisance

Les suicidés

Les suicidés is a series of eight large-scale digital prints. Trough digital manipulation of photographs, a crowd of people rises to the sky and walks towards an unknown destination. �Playing with the unclear borders of perception, Les suicidés presents itself like an allusion to jumping in a void, a visible degeneration of beings disincarnated' explains the artist, Catherine Plaisance. �In, and because of, a world in chaos, I am inspired by the methods man has found in order to construct his reality and his social function.'

Catherine Plaisance has a bachelor's degree in Fine Arts from Université Laval and has studied at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Since 2001, she has been involved in performances and interventions with the collective Les Fermières Obsédées . Les suicidés is her first solo show in a gallery.

Maria and the Bullfighter , de l'artiste Teresa Ascenção , est composée d'une série de photographies à effet 3-D et d'une installation vidéo. L'artiste, établie à Toronto, mais née au Brésil et de parents açoréens (Potugal), explore les codes de masculinité et de féminité de ces cultures.

Questionnant les tabous concernant la sexualité féminine, Maria dresse le portrait du quotidien d'une femme aux prises avec des conflits entre l'expression de sa sexualité et l'oppression de l'église catholique et de la société. L'artiste choisie d'illustrer son héroïne, Maria, comme les icônes catholiques sur les cartes postales kitch, présentation qui fait appel au jeu chez le spectateur.

En contrepartie, dans l'installation Portrait of a Young Bullfighter , l'artiste expose le langage corporel des hommes issus de l'héritage portugais, comportement associé à l'attitude appelée « machismo » ou « virilidad ». Le visage d'un jeune torero qui fixe le spectateur, juxtaposé avec l'image des mouvements de la corrida, est projeté sur un grand miroir ancien. Cette pièce fait appel à une certaine nostalgie par rapport aux expériences de l'artiste, mais peut-être aussi a un sentiment d'envi par rapport à la confiance et à l'autonomie des hommes inhérentes à cette culture.

Présenté en même temps, dans la Salle Sans Sous:

Greg Travis

Internal Conflict (Three Sides of the Mirror)

L'artiste de Moncton, Greg Travis, présente l'élaboration d'un travail sur l'identité personnelle et sa représentation : l'autoportrait. L'artiste décrit ainsi Internal Conflict (Three Sides of the Mirror)  : « Le premier groupe de peintures (devant le miroir) illustre littéralement les mouvements du répertoire d'un boxeur. Le second groupe de dessins montre l'expérience subjective (à l'intérieur du miroir) des sentiments, des sensations et des perceptions. Le troisième groupe de peintures, plus grandes, représente l'appréhension vécue par l'être devant la nature pluraliste de la conscience de soi. »

Greg Travis a étudié et reçu son Baccalauréat en Arts visuels du Nova Scotia College of Art & Design (Halifax) en 2000. Depuis 1995, il est professeur d'art à l'école secondaire Harrison Trimble, à Moncton. Internal Conflict est sa première exposition solo.

Maria and the Bullfighter , by artist Teresa Ascenção , is composed of a series of 3-D photographs and of a video installation. The artist, based in Toronto , but born in Brazil and from Azorean parents ( Portugal ), explores the codes of femininity and masculinity of these cultures.

Questioning female sexuality taboos, Maria portrays the daily life of a woman caught in conflicts between the expression of her sexuality and the oppression of the Catholic Church and society. The artist illustrates her heroine, Maria, the most common Portuguese name for girls, in a playful presentation resembling kitsch icon post-cards.

On the other hand, the installation titled Portrait of a Young Bullfighter is an exhibition of male body language in Ascenção's heritage , behavior associated to the attitude called �machismo� or �virilidad�. A young torero's face, staring at the spectator, juxtaposed with the movements of the bullfighter, is projected onto a full-length antique mirror. This piece conveys a certain nostalgia the artist feels about her personal experiences, but could also be a sentiment of envy towards the confidence and autonomy of men, inherent in this culture.

Presented at the same time, in the Salle Sans Sous:

Greg Travis

Internal Conflict (Three Sides of the Mirror)

Moncton-based artist, Greg Travis presents his study of personal identity and it's representation: the self-portrait. The artist describes Internal Conflict (Three Sides of the Mirror) as follows: �The first group of paintings (in front of the mirror) literally depicts the forms of the boxer's repertoire. The second group of drawings shows the subjective experience (inside the mirror) of feelings, sensations, and perceptions. The third group of larger paintings portrays the self in its apprehension of the pluralistic nature of self-consciousness.�

Greg Travis graduated with a bachelor in Fine Arts from the Nova Scotia College of Art & Design (Halifax) in 2000. Since 1995, he has been teaching Fine Arts at Harrison Trimble High School , in Moncton . Internal Conflict is his first solo show.

Chantal Bélanger travaille principalement en sculpture. Dans le cadre de cette exposition, elle présente des dessins de structures, un dessin organisé.

Marie-Claude Bouthillier travaille en peinture. Son travail s'articule autour du thème de l'écriture et du texte. En utilisant la répétition du trait, tant figuratif qu'abstrait, elle questionne l'identité et les limites du corps humain pris entre l'organisation et le dérèglement.

Daniel Erban pratique son art depuis plus de 30 ans. Ses dessins à l'encre noire, réalisés d'un trait macabre et exquis, représentent l'anxiété humaine, parlent d'agression d'une manière cynique. Entre ces commentaires sociaux et politiques, il expose la déshumanisation.

Afshin Matlabi travaille en vidéo, en peinture et en dessin. Dans le contexte d'une société démocratique qui fait face au danger du terrorisme et des désastres, il aborde la notion du loisir. Son travail incite une réflexion sur le confort et la fragilité de notre existence.

Présenté en même temps, dans la Salle Sans Sous:

Christine Comeau

Trois milles ans d'errance

L'artiste de Montréal, Christine Comeau, présente des peintures, réalisées sur panneaux, qui sont des réseaux de traits, représentant les systèmes conçus par les êtres humains. Ses oeuvres sont des astres qui évoquent notre présence au monde.

Chantal Bélanger is a sculptor. In this show, she presents structural drawings made of chaotic but organized lines.

Marie-Claude Bouthillier is a painter. She works with texts and writing. Using a series of motifs, she questions the limits of the body and identity through organization and chaos.

Daniel Erban has been creating for over 30 years. His black ink drawings, made with somber but exquisite lines, represent, in a cynical way, anxiety and aggression. His social and political commentaries are represented by dehumanized characters.

Afshin Matlabi works in video, painting and drawing. In the context of a democratic society facing the threat of terrorism and disaster, the artist uses leisure in order to question the comfort of our fragile existence.

Presented at the same time, in the Salle Sans Sous:

Christine Comeau

Trois milles ans d'errance

Montreal-based artist Chritine Comeau presents paintings created on masonite. A series of lines convey systems created by human beings. These constructions represent star systems that refer to our human existence.

Jean-Denis Boudreau : «Fatigués d'avoir à penser à TOUT?? Cessez de vous inquiéter. Avec _instructions , vous avez maintenant les directives en schéma de toutes vos actions préférées, sur tous vos objets favoris. WOW!»

En effet, les schémas de Jean-Denis Boudreau illustrent les gestes que nous répétons régulièrement et qui, par force d'habitude, deviennent instinctifs. Un automatisme prend forme lorsque que nous apprenons certaines actions. En guise d'exemples, manger, boire et ouvrir une porte sont des gestes qui se font sans réfléchir. Cette installation nous porte à questionner le pourquoi et le comment des actions inconscientes et de la pensée automatique.

L'exposition _instructions s'inscrit dans une démarche entreprise depuis un certain nombre d'années. Motivé par le désir de rendre l'art actuel accessible au public général, Jean-Denis Boudreau invente des moyens de diffusion de son travail par l'entremise d'éléments tirés du quotidien. Que se soit sur des t-shirts ou sur les napperons de café, son travail s'infiltre dans la vie de tout les jours et se manifeste sans prétention. L'artiste basé à Moncton s'engage ainsi dans un dialogue avec tous et chacun, réaffirmant que l'art doit exister à l'extérieur des lieux traditionnels. C'est en quelque sorte l'inverse qui se passe avec l'exposition _instructions  : l'espace « galerie » est transformé comme pour lui donner une autre fonction et inviter le public à s'y sentir bienvenu. De plus, l'artiste sollicite les commentaires à : instructions@rogers.com

Pour un aperçu de l'exposition, veuillez visiter :

http://ca.geocities.com/instructions@rogers.com/instFLIPBOOK.swf

Présenté en même temps, dans la Salle Sans Sous:

Alexandre Robichaud

oeuvres récentes

L'artiste étant reconnu pour son talent et sa maîtrise de la peinture, cette exposition est composée de toiles, ainsi que de pièces montées qui vacillent entre la peinture et la sculpture. Emboîtées dans des larges cadres de bois, des milliers de feuilles de papier sont superposées face-à-face. Ternies et teintes par le temps, les feuilles forment un bas-relief qui est ensuite enduit de peinture en traits minimalistes, comme une écriture spontanée, tentant de transmettre au spectateur tout le potentiel émotif de l'oeuvre. La frange de cette accumulation de pages crée un support riche et le spectateur ne peut s'empêcher d'imaginer ce qu'il y a d'écrit à l'intérieur de celles-ci. Par sa référence à la mémoire écrite, l'oeuvre évoque l'ampleur de notre histoire et notre culture.

Originaire de Lamèque, Alexandre Robichaud a obtenu un baccalauréat en Arts visuels de l'Université de Moncton en 2002, avec une concentration en photographie et en peinture. En 2003, il s'est mérité le grand prix du Festival des Arts visuels en Atlantique, à Caraquet. Il vit et travaille à Montréal.

Jean-Denis Boudreau: « Tired of having to think of EVERYTHING?? Stop worrying. With _instructions you now have the pleasure of having instructions for all your favourite objects laid out in front of you. WOW! »

Presented are a series of instructions on the usage of everyday objects and of common actions. As soon as we learn them, some of our actions become natural, such as eating, drinking, and opening doors. In this show, Jean-Denis Boudreau's diagrams illustrate unconscious actions and automatic thought while making us reflect on how and why we do things a certain way.

The _instruction exhibit is part of an ongoing research by the Moncton-based artist. Motivated by a desireto make contemporary art more accessible to the public, Jean-Denis Boudreau invents new means of diffusion inspired by everyday elements. Be it on t-shirts or coffee shop placemats, his work unpretentiously infiltrates daily life. The artist thus engages in a dialogue with one and all, reaffirming that art should exist outside of traditional environments. It is therefore pertinent that for the current exhibit, the �gallery' space is transformed and functions as a public space were the visitor feels more welcomed. The artist also welcomes comments at istructions@rogers.com .

For a preview of the show please visit: http://ca.geocities.com/instructions@rogers.com/instFLIPBOOK.swf

Presented at the same time, in the Salle Sans Sous:

Alexandre Robichaud

oeuvres récentes (recent works)

Known for his mastery of painting techniques, the artist presents canvases along with a group of works teetering between painting and sculpture. Large rectangular frames hold thousands of layered sheets of paper. The accumulation of old and tarnished pages create a bas-relief on which the artist paints spontaneous writings, revealing the piece's deeper emotional content. The fringe of this accumulation creates an unusual textured support, but leaves the spectator wondering what lies hidden between the pages. The work evokes the weight of history and culture through its reference to written memory.

A native of Lamèque, Alexandre Robichaud received a bachelor's degree in Fine Arts from the Université de Moncton in 2002, with concentrations in photography and painting. In 2003, his work was awarded top prize during the Festival des Arts visuels en Atlantique, in Caraquet. He now lives and works in Montréal.

Comme l'indique le titre, l'exposition de Daniel Olson, Unknown Seventies Artist , fait référence à l'art conceptuel des années soixante-dix. L'artiste, basé à Montréal, se sert comme point de départ d'une vidéo produite lors d'une résidence à Dublin imitant un document d'archive sur l'expérimentation et le travail en cours d'un artiste inconnu fictif. Un extrait de cette vidéo est présenté dans l'exposition, ainsi que d'autres pièces de l'oeuvre de l'artiste qui abordent dans le même sens. Olson inscrit cette présentation dans une série d'expositions mises sur pied selon une même méthode. Préférant s'appuyer plutôt sur un processus de réflexion intuitif que sur une démarche rigoureuse, il regroupe des oeuvres de médiums divers, selon un thème ouvert. Unknown Seventies Artist est la plus récente de ces expositions où l'artiste agit en tant que commissaire de son propre travail. Lors du vernissage, Olson présentera aussi une performance qui s'inscrit dans l'exposition.

«  [ ... ] après avoir visionné des extraits de plusieurs heures de séquences vidéo tournées en résidence à Dublin � où j'affichais une barbe non caractéristique qui changeait mon apparence de façon substantielle - [ ma conjointe ] m'a fait la remarque que je ressemblait à un artiste inconnu des années '70 »

Daniel Olson
(traduit de l'anglais)

Présenté en même temps, dans la Salle Sans Sous:

Brigitte Aucoin

Espace-Temps

L'artiste, originaire de la Nouvelle-Écosse, présente son travail de fin d'études sous le titre Espace-Temps . Recevant son baccalauréat en arts visuels de l'Université de Moncton en avril 2005, la recherche plastique de Brigitte Aucoin porte sur un questionnement de la réalité, du réel et de l'illusion à travers un travail artistique hybride entre la sculpture et la photographie.

As suggested by the title, Unknown Seventies Artist is a show inspired by, and making reference to, conceptual artists of that era. Montreal based artist, Daniel Olson, uses as a starting point a video produced during a residency in Dublin , which stands as documentation of an unknown, and fictional, artist's experiments and works-in-progress. An extract from this video is presented in the show with pieces from Olson's previous work that function along the same line of reference. The artist says of his choices in bringing together this exhibition: �Rather than following a rigorous curatorial premise, however, my selections are, as usual, strongly based on intuitive thought processes. For the past several years I have been presenting solo exhibitions in this manner, gathering together works in various media, under an open-ended theme. Unknown Seventies Artist is the latest in this series of loose-jointed, self-curated exhibitions.� As part of the exhibition, the artist also presents a performance during the opening.

 �  [ ... ] upon seeing excerpts from hours of video footage shot on residency in Dublin�where I sported an uncharacteristic beard, which altered my appearance substantially� [ my partner ] remarked that I looked like �an unknown seventies artist�. �

Daniel Olson

Presented at the same time, in the Salle Sans Sous:

Brigitte Aucoin

Espace-Temps

The artist, originally from Nova Scotia , presents projects produced during the end of her BFA. Graduating in April of 2005 from the Université de Moncton art department, her work questions realms of reality and illusions through the combination of sculpture and photography.